Reinhold Reiling, Broche, 1967, material: oro, un diamante, un rubí, Foto: Rüdiger Flöter, © Schmuckmuseum Pforzheim | Reiling tenía una gran sensibilidad por las bellas artes de su tiempo y su interés se desplazó hacia la geometría en la década de 1970.
En el capitulo anterior, (Cap.3) Una Mirada a las Bellas Artes en los Estados Unidos, nos enfocamos en el desarrollo en los Estados Unidos. Esta vez cambiamos la mirada a la Europa de los años 50 y 60.
Europa, que había sido severamente dañada con dos guerras mundiales en el siglo XX, finalmente vio el verdadero desarrollo de la joyería de estudio en la década de 1950 y, al igual que con los Estados Unidos, trató de crear una nueva era de la joyería incorporando los estilos que hemos vistos en las bellas artes.
A diferencia de los Estados Unidos, Europa tiene una larga y rica historia de cultura de la joyería. La orfebrería es el arte de hacer joyas, e incluso hoy en día, muchos artistas europeos se llaman a sí mismos orfebres por respeto a la tradición y orgullo por su excelente artesanía. Esta tradición fue firmemente respetada en la exploración de nuevas formas de expresión.
Dado que Europa está compuesta por varios países, debemos tener en cuenta sus diferencias, pero también existen algunas similitudes, Son la expresión profunda de los metales preciosos, las piedras de colores (principalmente las piedras cortadas en cabujones redondos y las perlas barrocas de forma irregular) y las superficies rugosas.
Se dice que en estas pinturas se puede ver la influencia de formas de arte contemporáneo como, el Informalismo y el Tachismo, que representaban emociones intensas con un toque tosco de pintura espesa.
Veamos algunos ejemplos de esto, comenzando con Alemania.
Alemania: Renovación de Superficie
Uno de los centros de desarrollo en Alemania fue en Pforzheim, en el estado de Baden-Württemberg, donde la joyería y la relojería son industrias locales. Karl Schollmayer (1908-1996), orfebre y maestro, predicó la importancia de la expresión superficial, y los artistas que compartían sus ideas introdujeron irregularidades en sus obras.
Las irregularidades de las superficies metálicas fueron creadas por las finas arrugas y texturas costrosas causadas por una sobreexposición al fuego. Esto generalmente se considera una falla que resta brillo, esta es la mayor atracción del metal precioso, y es impensable dejarlo así.
Los artistas europeos de este período no solo rompieron ese tabú, sino que lo presentaron como un toque distintivo. Este tipo de superficie rugosa se puede ver en las obras de Reinhold Reiling (1922-1983), Klaus Ullrich (1927-1998) y Ebbe Weiss-Weingart (1923-2019).
Reiling y Ullrich, al igual que Schollmayer, también capacitaron a la próxima generación como maestros, y todavía es común en el campo de la joyería contemporánea que los artistas trabajen también como maestros de esta manera.
Hermann Jünger, Collar, 1963, materiales: Oro, piedras preciosas, Foto: Rüdiger Flöter, © Schmuckmuseum Pforzheim | Esta foto muestra solo el trabajo, pero cuando los dibujos originales y las acuarelas se yuxtaponen con las joyas, se puede ver cuán fielmente se han elaborado las piezas
Hermann Jünger (1928-2005) de Munich, Baviera, quien estudió dibujo y joyería. Sus joyas distinguieron al artista de la expresión de sus colegas con un estilo que parecía ser una representación tridimensional directa de acuarelas y otros bocetos.
Generalmente, el tiempo y el esfuerzo que se dedican a hacer una pieza de joyería suelen cristalizarse en un alto grado de perfección y sofisticación, creando un valor único, pero el trabajo de Junger es ligero, como si se ensamblara casualmente. No es que la artesanía real sea pobre. Esta ligereza solo se puede realizar a través de la gran habilidad de un orfebre.
Múnich ha estado durante mucho tiempo a la vanguardia del campo de la joyería contemporánea, y Jünger es considerado una de sus principales figuras. La razón de esto se puede atribuir no solo a su enérgica práctica como artista, sino también al hecho de que, como profesor en la Academia de Bellas Artes de Munich, formó a muchos artistas destacados, y mejoró la fuerza y la presencia unificadora de la ciudad.
Los metales preciosos con piedras de colores y superficies rugosas que caracterizaron este período no se limitaron a Alemania. En Inglaterra, por ejemplo, la austriaca Gerda Flöckinger (1927-) hizo de esta expresión su marca registrada y en 1971 se convirtió en la primera artista femenina viva en tener una exposición individual en el Museo Victoria and Albert.
Hasta aquí hemos visto una de las tendencias que marcó el amanecer de una nueva era. En Europa, sin embargo, varias formas de arte sirvieron como fuentes de inspiración, se diferenciaba dependiendo de la época y regiones, y también influyo otros estilos como De Still y Pop Art en la creación de joyas.
Italia: heredar una historia de joyería y arte
En el capitulo anterior discutimos sobre la joyería de los mejores artistas en los Estados Unidos, un ejemplo similar que sorprende en el caso europeo se puede encontrar en Italia, que disfrutó de una luna de miel entre las bellas artes y la joyería durante el Renacimiento.
Un ejemplo son los hermanos escultores Arnaldo Pomodoro (1926-) y Giò Pomodoro (1930-2002), quienes tienen tanto el arte escultórico como el encanto como joyas, realizó joyas en metales preciosos y dejaron obras representativas de la época.
(izquierda) Giò Pomodoro, Collar, 1964, Materiales: oro amarillo y blanco con esmeraldas, ©Toredo Museum of Art | Una obra en colaboración con Giuseppe Fusari,
(derecha) Arnaldo Pomodoro, collar, 1966/68 ,Oro amarillo y blanco, Foto: Rüdiger Flöter, © Schmuckmuseum Pforzheim | El tamaño de esta pieza es de 17,5 cm PueTrató de crear joyas atractivas desde el principio, en lugar de simplemente convertir sus esculturas en miniaturas.
Las obras de estos excelentes artistas se presentaron en «La Exposición Internacional de Joyería Moderna, 1890 – 1961», comisariada por Graham Hughes (1926-2010) en el Goldsmith Hall de Londres en 1961.
La muestra fue de una escala extraordinaria, con casi 1.000 piezas, y sigue siendo una de las exposiciones más importantes en la historia de la joyería contemporánea.
Fue la primera exhibición integral de joyería moderna en el mundo que incluyó no solo las obras maestras de Lalique y marcas de alta gama más prestigiosas, sino también joyería de estudio y joyería de artistas, lo que subraya la importancia de la joyería como una expresión artística más allá de su valor material.
En lugares como Japón a través de las influencias recibidas en la posguerra en el campo de la joyería comienza gradualmente un verdadero impulso.
Representantes como Yasuhiko Hishida (1927-1981), que había estudiado en Italia, se centró en el significado cultural y artístico de la joyería y trabajó para promover la joyería a nivel organizacional, convirtiéndose en miembro fundador de la Asociación de Diseñadores de Joyas de Japón en 1964.
Y Yasuki Hiramatsu (1926-2012) se ganó el reconocimiento internacional por su estética japonesa minimalista mientras interpretaba la tradición de una manera completamente nueva. Como muchos artistas europeos, también fue profesor y formó a jóvenes artistas en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio.
Si bien las tendencias variaron ligeramente de un país a otro, el hilo común en la joyería de estudio de la época era el deseo de cuestionar los valores existentes asociados a las joyas (símbolos de belleza y riqueza) y crear joyas como una forma de expresión artística.
En el próximo capitulo (Cap.5) Transformación en los Países Bajos, analizaremos los Países Bajos que experimentaron un cambio extraordinario en la década de 1960.
Yasuki Hiramatsu, anillo, oro, ©gallery deux poissons | Aunque este anillo probablemente se hizo mucho después de la década de 1970, exhibe una textura única que ha sido una de las principales características del artista a lo largo de su carrera. Se hizo doblando y redondeando a mano oro de alta pureza como si fuera una fina hoja de papel.
【Quién es Makiko Akiyama】
Graduada del Curso de Joyería Contemporánea de Hiko Mizuno Jewelry College. Después de graduarse, trabajó como maestra en la misma escuela antes de dedicarse a la traducción y la escritura.
Representante de Japón del Programa de Embajadores del Art Jewelry Forum. Coautor de «Primavera/Verano 2016_green gold» (Schmuck2 ed., 2017) y «Jiro Kamata: VOICES» (Arnoldsche Art Publishers, 2019).
Tumblr | https://makikoakiyama710.tumblr.com/
Instagram | https://www.instagram.com/akiyama_makiko/
※Esta serie de artículos se basa en la conferencia impartida en el programa en línea del Simposio de Joyería Contemporánea de Tokio, «Fundamentos de la joyería contemporánea», celebrado el 1 de mayo de 2021. *
※Está estrictamente prohibida la reproducción o el uso no autorizado del texto y las imágenes de esta columna.
※Nos gustaría agradecer al Museo de Accesorios de Pforzheim, al Museo de Arte de Toledo y a la galería deux poissons por su ayuda en la adquisición de las imágenes.
