Friedrich Becker, brazalete, material y año desconocidos, atribución 4.0 International (CC BY 4.0) , imagen modificada | En un principio se utilizaban metales preciosos y piedras naturales, pero más tarde se incorporaron también el acero inoxidable y las piedras sintéticas.
En el capitulo anterior, (Cap.5) – Una mirada a las bellas artes: Europa, vimos las tendencias en Europa desde la década de 1950.
Como hemos visto en los Capítulos 3 y 4 de esta serie, la intensión fue llevar la esencia de las bellas artes a la joyería. En las siguientes secciones, veremos ejemplos de lo que podríamos llamar la forma avanzada de estos movimientos. Significativamente, las generaciones más jóvenes estaban ansiosas por seguir el espíritu de la época a través de varios experimentos con diseño cinético, nuevos materiales, etc.
Estética de la Cinética y la Ingeniería
El alemán Friedrich Becker (1922-1997) trabajó originalmente como ingeniero en la industria de la aviación, pero se embarcó en la fabricación de joyas en la década de 1950. Se destacó en joyas que permitieran cambiar la apariencia del usuario. Ejemplos de este tipo de trabajo incluyen anillos con piedras intercambiables y anillos que se pueden disfrutar cambiando la orientación de las piedras dependiendo de si el dedo se inserta vertical u horizontalmente.
Becker pronto comenzó a incorporar el movimiento mediante mecanismos como los rodamientos. Esta «joyería cinética» que se mueve según el movimiento de quien la lleva, se puede decir que es sinónimo de Becker, y sigue siendo inspirador en la actualidad
Lo que llama la atención es la suavidad del movimiento, como puedes ver en el siguiente vídeo El anillo en este video es probablemente de los años 90, por lo que han pasado casi 40 años desde su primera participación en la joyería cinética. Aún así, ver la estética de Becker que no ha cambiado desde los primeros días de su carrera.
Al igual que Becker, Anton Čepka (1936-), nacido en Checoslovaquia, también abrazó la estética de la ingeniería y la cinética. El trabajo de Čepka, con su amplio uso de cuadrículas constructivista, es como un instrumento de precisión. Su temprana preferencia por la plata no fue solo por razones estéticas sino también por la dificultad de obtener materiales más caros, como el oro, en su país natal.
Se puede decir que la razón por la que tal belleza mecánica ha llegado a expresarse en la joyería es la expectativa inocente de la tecnología única de esta era y el brillante futuro que traerá la tecnología.
Anton Čepka, broche, 1967, materiales: plata fina, piedras preciosas rosas y rojas (probablemente turmalina), 4,5 x 6,2 cm, foto: Rüdiger Flöter, © Museo de Joyería de Pforzheim | Crea un estilo único mezclando imágenes macro que recuerdan a alas gemelas y planos de fábrica y microimágenes como maquinaria de precisión. La cuadrícula fina se dibuja a mano alzada.
Un torrente de colores provocado por el plástico
Mucho antes de mediados del siglo XX, los plásticos se usaban como sustituto de las joyas, principalmente en el campo de la bisutería, pero a partir de la década de 1960, los artistas comenzaron a combinarlos con metales preciosos para lograr efectos artísticos.
Uno de estos artistas representativo es el alemán Claus Bury. El uso del color por parte de Bury fue más allá de los plásticos y se extendió al metal. Usó diferentes aleaciones para varios efectos cromáticos y yuxtapuso muchos colores en una sola pieza, como lo haría un pintor en una paleta. También ejerció como docente y enseñó en el país y en el extranjero, pero luego optó por dedicarse a la escultura, que había estado produciendo hasta entonces.
El austriaco Fritz Maierhofer también se inspiró en los colores de las calles de Londres que vio durante sus viajes, y alrededor de 1970 comenzó a crear obras con plástico multicolor. Después de eso, Maierhofer comenzó a usar aluminio, cloisonné, acero, etc. y se convirtió en un artista multidisciplinario dedicado a la escultura y la actuación.
Una característica llamativa del uso del plástico en este período es la yuxtaposición de varios tonos, evocadores de una carta de colores. La avalancha de colores puede parecer excesiva para la sensibilidad actual. Aun así, transmite una sincera alegría y entusiasmo por la fascinación y las posibilidades de la belleza artificial e industrial que no podemos lograr con la piedra natural o el esmalte.
izquierda: Klaus Bule, broche, 1972, material: oro (750/000), vidrio acrílico coloreado, 11,5 x 7,3 cm, foto: Rudiger Fleter, © Pforzheim Jewelry Museum / derecha: Fritz Meyerhofer, pulsera, 1974 , Material: oro, acrílico, 8,0 x 6,7 cm, © Fritz Meyerhofer | El trabajo de Bouley tiene un misterioso sentido de la perspectiva. Las pulseras Meyerhofer son robóticas y divertidas.
Formas con voz nórdica
En Escandinavia, el concepto de funcionalismo comenzó a abrirse camino en el campo de la joyería en las décadas de 1920 y 1930. Ese fue un proceso de transición de las curvas orgánicas del estilo Art Nouveau y el gusto artesanal del movimiento Arts and Crafts a formas más sencillas y claras.
A partir de la década de 1950, el sueco Sigurd Persson (1914-2003) demostró su dominio de este estilo funcionalista escandinavo. Creando joyas dinámicas de metal con acabado de espejo que emite un brillo frío. También activo como diseñador de platería y cristalería, se le considera uno de los diseñadores suecos más importantes del siglo XX.
Diseñadores suecos del siglo XX.
Persson, como diseñador, persiguió la belleza funcional, con el objetivo de mejorar la individualidad del usuario en lugar de crear obras de arte autónomas. La simplicidad y claridad de los diseños escandinavos también inspiraron a Gijs Bakker, el diseñador del que hablamos la última vez.
Sigurd Pearson, Anillo, 1963, Material: Oro (750/000), Armandine Garnet, Altura 3,2 cm, Parte superior 3,8 cm, Foto: Rudiger Fleter, © Pforzheim Jewelry Museum | “Soy bueno modelando y utilicé piedras semipreciosas y plástico para añadir color”.
Recortes corporales
En Italia, Bruno Martinazzi (1923-2018) comenzó a realizar joyas basadas en el cuerpo humano, principalmente en oro. En sus joyas, se puede sentir una actitud provocativa escondida detrás de la belleza clásica de la forma.
Desde tiempos inmemoriales, las partes del cuerpo humano se han utilizado en joyería, principalmente como amuletos. Múltiples culturas creían que la forma de los ojos y las manos tiene el poder de protegerse del mal de ojo (la mirada maliciosa de los demás).
Las joyas de Martinazzi no es ajena a tal simbolismo. El escritor y curador Ralph Turner (1936-2017) señala que «Gran parte de su joyería representaba zonas aisladas del cuerpo humano, acuñándolas como símbolos, algunos de los cuales advertían sobre los males de la sociedad: la boca como símbolo de la codicia, el puño como el foco de las fuerzas, y ojos que representan la belleza del alma y la percepción visual, los labios que representan cariño, nalgas cargadas de erotismo”, señalando en ocasiones la patología de la sociedad.
En Italia, la tierra natal de Martinazzi, la ciudad norteña de Padua ha experimentado un desarrollo único. El pueblo contaba con una escuela nacional de arte Pietro Salvatico, en donde Mario Pinton se desempeñó como primer profesor del curso de formación de orfebres. Desde entonces, la escuela ha producido muchos artistas que han continuado con su filosofía, creando obras basadas en composiciones planas, geométricas y oro.
La Escuela de Padua puede significar tanto un lugar de enseñanza como un modo de enseñanza; en el caso de Padua, significa ambos. En el campo de la joyería contemporánea, cuando un profesor cambia, el estilo de los estudiantes de esa escuela muchas veces cambia. Entre ellas, un ejemplo valioso puede considerarse la Escuela de Padua, que heredó durante mucho tiempo una misma filosofía y se desarrolló hasta el punto de llamarse como tal (por cierto, Martinazzi no perteneció a esta escuela).
Bruno Martinazzi, broche, 1968, material: oro (750/000), oro (833/000), oro blanco (750/000), 3,9 x 4,4 cm, foto: Rudiger Fleter, © Museo de Joyería de Pforzheim | Ojos con tristeza son impresionantes El brillo tenue realza el efecto tridimensional del relieve. La obra de Martinazzi contiene una filosofía que invita a la reflexión. También fue escultor y a menudo utilizaba motivos de cuerpos humanos en sus esculturas.
Todas las obras que he visto hasta ahora difieren mucho en estilo y tendencia. Sin embargo, podemos ver que todos ellos buscaban diversas formas de crear joyas que reflejaran los tiempos, rompiendo con el sistema de valores establecido que aprecia la preciosidad y la rareza de los materiales.
Cuando miras estos trabajos, puedes ver que la «novedad» cambia con los tiempos. Por ejemplo, solo porque hemos adoptado la movilidad y los plásticos en los tiempos modernos, no podemos pretender novedad o romper con nociones preconcebidas. Además, la opinión del público sobre los plásticos y resinas ha cambiado drásticamente desde entonces.
Eso no quiere decir que las piezas presentadas aquí estén ahora obsoletas. Cada pieza de joyería simboliza la época en la que se hizo y al mismo tiempo, todavía tiene un atractivo que atrapa los corazones de quienes la ven. La atemporalidad de las piezas que se fabrican hoy se juzgará durante mucho tiempo.
En el próximo capitulo, (Cap.7) Explorando el potencial de la joyería (1): conceptualismo y fotografía centraremos nuestra atención en las nuevas expresiones que han florecido desde mediados del siglo XX en todos los países.
【Quién es Makiko Akiyama】
Graduada del Curso de Joyería Contemporánea de Hiko Mizuno Jewelry College. Después de graduarse, trabajó como maestra en la misma escuela antes de dedicarse a la traducción y la escritura.
Representante de Japón del Programa de Embajadores del Art Jewelry Forum. Coautor de «Primavera/Verano 2016_green gold» (Schmuck2 ed., 2017) y «Jiro Kamata: VOICES» (Arnoldsche Art Publishers, 2019).
Tumblr | https://makikoakiyama710.tumblr.com/
Instagram | https://www.instagram.com/akiyama_makiko/
※Esta serie de artículos se basa en la conferencia impartida en el programa en línea del Simposio de Joyería Contemporánea de Tokio, «Fundamentos de la joyería contemporánea», celebrado el 1 de mayo de 2021. *El uso o reproducción del texto o las imágenes de este artículo sin permiso está estrictamente prohibido.
※Está estrictamente prohibida la reproducción o el uso no autorizado del texto y las imágenes de esta columna. Agradecemos al Sr. Fritz Meyerhofer del Museo de Accesorios de Pforzheim su ayuda para adquirir las imágenes.
